Willkommen zurück zu unserem Spotlight für Studenten. Dieses Mal sprechen wir mit Steve Williams.

• Wie lautet Ihr Name und Künstlername (falls vorhanden)? Geben Sie uns ein wenig Hintergrundinformationen über sich selbst. Wie lange produzierst du schon und wie bist du zur Musik gekommen? 
  • Mein Name ist Steve Williams und ich produziere und performe als drusnoise. Ich bin Teil der elektronischen Musikszene seit meiner Zeit als Raver in den späten Neunzigern in Kanada, bis hin zum Clubbing in London und Paris in den 2000ern, und jetzt als elektronischer Musikproduzent und Performer mit Sitz in Berlin. Meine drusnoise-Künstlerpersönlichkeit integriert zwei Schlüsselbereiche meines Hintergrunds. Als Nachhaltigkeitsforscher beschäftige ich mich mit dem Übergang zu nachhaltigen Energiesystemen. In meiner Forschung beschäftige ich mich besonders mit der Rolle der Bürger und der Entscheidungsfindung, der Gerechtigkeit in Übergängen, der Zusammenarbeit mit indigenen Völkern und der Kunst und Nachhaltigkeit. Mein Forschungshintergrund hat also eine direkte Verbindung zu meinen musikalischen Interessen. Als ich in Kanada promovierte, begannen meine Nichte und mein Neffe, mich 'Dr. Uncle Steve' zu nennen, was zu 'dr.us' und dann zu 'drusnoise' führte!
• Wann waren Sie Student bei 343 Labs?
  • Ich habe im Sommer 2020 bis zum Frühjahr 2021 bei 343 in Berlin angefangen.
• Welche Kurse besuchen/besucht haben Sie?
  • Am Ende habe ich vier Kurse belegt! Angefangen mit Mixing und Mastering, dann Sound Design, Komposition und Arrangement, und gerade habe ich den Kurs "Live Performance" abgeschlossen.
• Was ist/war das Beste daran, Student bei 343 zu sein?
  • Auf jeden Fall die Gemeinschaft! Ich habe dauerhafte Verbindungen zu Kommilitonen und Dozenten geknüpft, die dazu führten, dass wir gemeinsam Musik machen, auftreten und Videos drehen. Es war auch großartig (wenn die Schließungsregeln es zuließen), Teil der Gemeinschaft von Produzenten, Künstlern und Ingenieuren in den Riverside Studios in Berlin zu sein.
• Welche Art von Musik machen Sie? Wie würden Sie Ihre Musik beschreiben?
  • Ich produziere und performe hauptsächlich Live-Techno mit einem Hardware-basierten Setup, aber meine Musik ist voller Kontraste und Spannungen. Zwischen analog und digital, Improvisation und programmierten Sequenzen, Four-to-the-Floor-Techno und Zufallsgeräuschen, synthetischen Klängen und Feldaufnahmen, produzierten Tracks und Live-Performance. Ich bette Feldaufnahmen ein, die Natur und städtisches Leben miteinander verbinden, wie z. B. das Geräusch von Regen auf dem Metalldach eines Balkons, klappernde Fahrradschutzbleche und Glocken, klappernde Töpfe und Pfannen von Straßendemos und Aufnahmen von Freunden, die sich auf der Straße unterhalten. Ich bin auch fasziniert davon, Musik aus "natürlichen Daten" zu machen, wie z. B. aus den elektrischen Emissionen von Pflanzen, die Spannungen für Tonhöhen und Trigger erzeugen, und aus den Daten der globalen CO2-Konzentration des Mauna Loa Observatoriums auf der Insel Hawaii, die in Klänge und Wellenformen übersetzt werden.
• Was inspiriert dich, wenn du Musik machst, und zu welchen Künstlern oder Produzenten schaust du auf?
  • Meine größte Liebe und Inspiration ist die Energie, die ich bekomme, wenn ich live vor einem Publikum mit einem großen Soundsystem auftrete. In letzter Zeit bedeutet das allerdings Livestreams! Ich liebe das Zusammenspiel zwischen meiner eigenen Musik und den Reaktionen der Leute auf der Tanzfläche. Musik ist ein so großer Teil meines Lebens und eine Verbindung durch Musik aufzubauen, inspiriert mich immer. 
• Haben Sie irgendwelche Projekte am Laufen? Erzählen Sie uns davon!
  • Meine Debüt-EP - Invisible Wires - erscheint am 11. Juni! Besuchen Sie die Launch-Party auf https://twitch.tv/drusnoise 21.06.11 um 19.00 Uhr Berliner Zeit - live gestreamt aus 343 Labs in Berlin. Drei dunkle Techno-Tracks, die produzierte und arrangierte Versionen von Tracks sind, die als Live-Performances begannen. Ich habe Ableton zum Mischen und Arrangieren benutzt, aber fast alle Sounds stammen von meinen modularen und analogen Synthesizern, Drum Machines und Outboard-Effekten, die durch ein analoges Mischpult laufen. Als Nächstes arbeite ich an einer Vier-Track-EP, auf der jeweils ein weltweit anerkannter, innovativer Nachhaltigkeitsforscher über verschiedene Aspekte des Übergangs, der Transformation und des Anthropozäns spricht. Dies schlägt eine Brücke zwischen meinen Welten der Nachhaltigkeit und der Musik, indem ich jedes dieser Ideensets in Techno-Tracks einbette. Samples, Synthesizer, Percussion, Melodien und Rhythmen sind sorgfältig ausgewählt, um die vorgestellten Ideen zu unterstützen, zu hinterfragen und zu verstärken. Besuchen Sie meine Website oder folgen Sie meinen sozialen Netzwerken für aktuelle Informationen
• Was sind Ihre Ziele für das kommende Jahr?
  • Einen realen Veranstaltungsort zu finden, um Live-Sets zu spielen! Es liegt vieles außerhalb meiner Kontrolle, um das zu erreichen, aber ich hoffe, dass in Berlin (und anderen europäischen Ländern) später in diesem Jahr Clubs eröffnet werden. Ich weiß, dass meine Auftritte durch Online-Livestreams mit den Leuten in Verbindung gebracht werden, aber es gibt wirklich keinen Ersatz für eine Tanzfläche mit einem Soundsystem, das die Wände zum Wackeln bringt und deine Knochen zum Vibrieren bringt.
• Gibt es etwas, das Sie der 343-Community mitteilen oder sagen möchten?
  • Was ich bei 343 am meisten gelernt habe, ist, dass man keine Angst haben sollte, Risiken einzugehen. Bringt den fast fertigen Track raus. Spielt den Livestream. Sing den Text, der schon seit einem Jahr in deinem Notizbuch steht. Es wird nicht perfekt sein, aber es wird in der Welt zu hören sein. Ich versuche immer, mich an das Zitat von Miles Davis zu erinnern: "Habt keine Angst vor Fehlern. There are none."

• Links zur Website, soziale Medien
  • https://drusnoise.lsnto.me/InvisibleWiresEP
  • https://instagram.com/drusnoise
  • https://facebook.com/drusnoise
  • https://youtube.com/drusnoise
• Links zu Musik (Spotify, Beatport, Soundcloud, Bandcamp usw.)
  • https://soundcloud.com/drusnoise
  • https://drusnoise.bandcamp.com

Ableton Live 11 Neue Funktionen, Effekte und Instrumente

Geschrieben von Ableton Certified Trainer Peter Trimbacher

Übersicht

Seit der aufregenden Veröffentlichung von Live 11 haben wir uns mit den vielen neuen Funktionen beschäftigt, die die Community begeistern.

Langjährige Nutzer werden sich freuen zu hören, dass sich der Großteil der Verbesserungen auf den Workflow konzentriert, einschließlich Audioverbesserungen wie Take-Aufnahme, Comping und verfeinerte Clip-Bearbeitung.

Die MIDI-Seite wurde grundlegend überarbeitet und bietet nun die Möglichkeit, Noten in Skalen zu quantisieren, die Anschlagsstärke zu erhöhen und den polyphonen Ausdruck durch den neuen MPE-Standard zu ermöglichen.

Es gibt eine Vielzahl von neuen Effekten, darunter den innovativen Hybrid Reverb, und wir sehen wichtige Updates für Racks sowie eine Vielzahl kleinerer, aber gut ausgeführter Verbesserungen an bestehenden Geräten.

Wie bei jeder größeren Aktualisierung können Sie sich auf einen reibungslosen Übergang zur neuen Version verlassen, die sich nicht weit von der uns allen bekannten und beliebten Benutzeroberfläche entfernt. Nehmen wir uns eine Minute Zeit, um die spannendsten neuen Funktionen auszupacken.

 

Audio - Comping & Bearbeitung von verknüpften Spuren

Komposition

Comping ist eine lang erwartete Funktion, die für Instrumentalisten unverzichtbar und für Produzenten attraktiv ist, da sie Folgendes ermöglicht mehrere Takes von aufgenommenem Audiomaterial zu einer perfekten zusammengesetzten musikalischen Performance zu kompilieren.

Praktische Ideen:

1. Nehmen Sie ein Instrument mehrmals in einer Schleife auf und wählen Sie die besten Noten/Phrasen aus jedem Take aus, um das perfekte Composite zu erstellen.
2. Resampling von Audio aus einem anderen Track, z. B. Manipulation von Synthesizer-Parametern und Auswahl der besten Artikulationen, um den perfekten Fluss zu finden.
3. Erstellen Sie Take-Lanes auf einer vorhandenen Spur wie einen Percussion-Loop, ziehen Sie mehrere Clips in die Take-Lanes und erstellen Sie ein zusammengesetztes Percussion-Element.

Bearbeitung von verknüpften Spuren

Die Möglichkeit, mehrere Spuren für die Bearbeitung miteinander zu verknüpfen, ist eine enorme Zeitersparnis für alle, die gerne mit mehreren Spuren arbeiten. Aufteilen, Duplizieren, Löschen und Überblenden, zum Beispiel, werden von allen Spuren genutzt, die mit der Funktion Spuren verknüpfen verknüpft wurden, wenn Sie mehrere Spuren auswählen und mit der rechten Maustaste in die Titelleiste der Spur klicken.

Praktische Ideen:

1. Verknüpfen Sie Spuren, die gleichzeitig aufgenommen wurden, in Ihrer Session - z. B. ein Schlagzeug mit mehreren Mikrofonen.
2. Verknüpfen Sie beim Remixen eines Tracks die Remix-Stems miteinander, um kohärente Anpassungen an allen Song-Elementen vorzunehmen.
3. Bearbeitung einer mehrteiligen MIDI-Performance, die dieselbe Notation auf verschiedenen Voreinstellungen verwendet.

 

MIDI - MPE, Chance, Keys und Skalen.

Der MIDI-Editor ist der optisch am stärksten veränderte Teil der gesamten Benutzeroberfläche von Live 11, was auf die vielen neuen Updates zurückzuführen ist, die auf der MIDI-Seite zu finden sind. Neue Registerkarten für Notenparameter, Follow Actions, Hüllkurven und MPE organisieren die aktualisierten Funktionen auf elegante Weise.

MPE

MIDI Polyphonic Expression (MPE) ermöglicht das ausdrucksstarke Harmonien zu spielen und Parameter zu variieren, einschließlich Pitch Bend, Slide und Druckparameter pro Note auf einer Vielzahl von leistungsfähigen Instrumenten wie dem nativen Wavetable und Sampler. Obwohl die meisten mit spezieller Hardware (Roli Seaboard) inspiriert, ist es möglich, diese Änderungen direkt in den aktualisierten MIDI-Editor zu programmieren.

Praktische Ideen:

1. Erstellen Sie sich entwickelnde Pads über 8-16 Takte, indem Sie Slide und Pressure dem Wavetable-Index und dem Filter-Cutoff zuweisen.
2. Versuchen Sie einfache LFO-ähnliche geometrische Bewegungen bei kleineren Taktlängen.

Tonarten und Skalen

Einer der größten Vorteile des Push-Instruments besteht vielleicht darin, dass es in der Lage ist innerhalb einer Tonart und Skala zu spielen ohne vorherige theoretische Ausbildung. Diese Form der Tonhöhenquantisierung ist jetzt direkt im MIDI-Editor verfügbar und für einen integrierten Workflow auch mit Push verknüpft.

Praktische Idee: Aktivieren Sie mit einer gewählten Skala die Redakteure Skala Modus und kerstellen Sie eine einfache Dreiklang-Akkordfolge über eine Dauer von vier Takten. Jeder Akkord sollte aus drei durch ein Leerzeichen getrennten Noten bestehen und einen Takt dauern.

Chance Tools

Digitale Schlagzeuger und Benutzer von Geräten wie den Elektron-Maschinen dürften sich über die native Kontrolle über Noten- und Anschlagsdynamik freuen. Es ist nun möglich Velocity-Noten- und Chance-Bereiche einzustellen um sowohl perkussive als auch rhythmische Instrumentenquellen wie Drum-Racks oder sequenzierte Synth-Lines zu verbessern.

Praktische Ideen:

1. Legen Sie Velocity-Bereiche für unterstützende Elemente wie Ghost-Noten in einer Drum-Sequenz fest.
2. Verwenden Sie Zufallsmengen für bestimmte Füllungen oder Verzierungen innerhalb einer Sequenz.
3. Erstellen Sie immer neue rhythmische Synthesizer-Linien, indem Sie mehrere Parameter einer zufälligen Anschlagsstärke zuweisen.

Geräte

Im Bereich Sounddesign und Mixing bringt Live 11 eine Vielzahl neuer Geräte und gut ausgeführter Updates.

Optisch sind die Audioeffekte jetzt in thematischen Gruppen gruppiert wie Dynamik und EQ und Filterso dass die Sammlungen für andere organisatorische Zwecke genutzt werden können.

Hybrid-Hall

Für die meisten Benutzer wird der Hybrid Reverb wahrscheinlich das interessanteste Gerät sein, da er den bekannten Reverb und Henkes' Convolution Reverb Geräte zu einem ultimativen Allzweckgerät vereint. Darüber hinaus wurde die Reverb-Seite großzügig mit mehreren neuen Algorithmen aktualisiert, darunter auch der zunehmend beliebte Shimmer-Stil. Die neuartige Implementierung verschiedener Signal-Routing-Presets zwischen den beiden Teilen führt zu interessanten Hybrid-Möglichkeiten.

Spektralresonator & Zeit

Die hier ausführlich erläuterten Spektralgeräte (https://www.ableton.com/en/blog/spectral-sound-a-look-at-live-11s-new-spectral-devices/) verwenden die so genannte schnelle Fourier-Transformation (FFT)-Technologie, um die Signale in einzelne Teile, die so genannten Teiltöne, zu zerlegen und diese in Echtzeit zu bearbeiten. Kurz gesagt, diese Geräte eröffnen dem Sounddesigner neue, spannende Möglichkeiten. Wie bei vielen neuen Werkzeugen können sie anfangs abschreckend wirken, aber auf lange Sicht wachsen sie dem Benutzer ans Herz.

Für langjährige Nutzer von Live, Spectral Resonator eine unmittelbare klangliche Ähnlichkeit mit dem Resonator-Gerät, aber der große Unterschied liegt in der Technologie, die hinter den beiden Geräten steckt. FFT ermöglicht eine viel umfassendere Kontrolle über den Klang, was zu einem erweiterten Funktionsumfang führt, einschließlich individueller harmonischer Kontrolle sowie Unison-, Chorus-, Wander- und Granular-Betriebsmodi.

Für ein paar Augenblicke der Nutzung Spektralzeit kommt dem Grain Delay klanglich wahrscheinlich am nächsten, aber seine wahre Stärke ist die Fähigkeit, das Signal komplett einzufrieren, was zu unwirklichen Drones und Texturen führt. Die Freeze-Funktion bietet außerdem eine Vielzahl von Modi und Feinabstimmungsoptionen.

PitchLoop89

Einer der Mitbegründer von Ableton, Robert Henke, hat den PitchLoop89 entwickelt, das einem berühmten Effekt aus dem Jahr 1978 ähnelt; auf seiner Website können Sie Einzelheiten darüber lesen. (https://roberthenke.com/technology/pitchloop89.html)

Der Effekt ähnelt wieder dem Grain Delay, das bisher als einziges Gerät in der Software tonhöhenverschiebende Delays bot. Im Gegensatz zu seinem Vorgänger bietet dieses neue Plugin eine Stereobearbeitung und eine erweiterte granulare Manipulation über die Endlosschleifenfunktion.

Aktualisierte Racks

Abletons Geräte- und Instrumenten-Racks wurden in Live 11 erheblich verbessert. Wir können jetzt die Anzahl der angezeigten Makros von 1 bis 16! Die Werte können nach dem Zufallsprinzip festgelegt werden, und falls die Dinge verwirrend werden, können wir mit Hilfe von Snapshots zu gespeicherten Preset-Zuständen zurückkehren.

Aktualisierte Geräte

Ähnlich wie bei der letzten Aktualisierung, wurden einige Geräte einem Facelifting unterzogenkombiniert, oder beides.

• Chorus-Ensemble bietet jetzt neue Ensemble- und Vibrato-Modi.
• Phaser-Flanger-Effekte sind jetzt kombiniert und bieten bis zu 42 Notches im Phase-Modus!
• Redux verfügt jetzt über aktualisierte Steuerelemente, mit denen sich die Einstellungen von unauffällig bis hin zu völlig zerdrückt einstellen lassen.

 

Instrumente

AAS-Updates

Die Zusammenarbeit mit Applied Acoustic Systems in Live 7 und 8 brachte eine Reihe von Physical-Modeling-Instrumenten hervor, darunter Tension, Electric und Collision. Diese neuen Werkzeuge konnten zwar neuartige Klänge erzeugen, aber ihre Benutzeroberflächen waren eine gewisse Hürde für Musiker, die nicht die Geduld hatten, sich tief in komplexe Schnittstellen einzuarbeiten.

Die Änderungen in Live 11 zielen darauf ab, dieses Manko zu beheben, vereinfachte und visuell ansprechende Möglichkeiten zur Interaktion mit den Parametern bieten.

Inspiriert von der Natur

Live 11 wurde in Zusammenarbeit mit Dillon Bastan entwickelt und wird mit einer umfangreichen Sammlung von 6 neue Instrumente und Effekte.

Physikalische Bewegungen wie Bouncing oder gerichtete Bewegungen ermöglichen eine organische Interaktion mit Klang.

Vector FM, Grain und Delay bieten Frequenzmodulation, Granularsynthese bzw. Delay in einem gemeinsamen GUI-Stil, bei dem ein kreisförmiges Display zur Anzeige der Partikelbewegung von allen Geräten genutzt wird.

Emit, Tree Tone und Bouncy Notes sind dagegen etwas abwechslungsreicher, abgesehen von einigen Ähnlichkeiten mit iZotope Iris, Sonic Charge Synplant und dem Bouncing Hammer in Ableton Tension. Diese Geräte bieten noch mehr Granular-, Resonator- und Pitch-Shifting-Delay-Optionen als die vorgenannten Updates.

Neue Klänge

Eine Zusammenarbeit mit Spitfire Audio erweitert das Orchesterangebot von Lives um gut kuratierte Klänge für Klavier, Blechbläserquartett und Streichquartett. Kuratierte Kollektionen wie Voice Box, Mood Reel, Drone Lab bieten vokale, texturale und dröhnende Klänge um die ständig wachsende native Klangbibliothek, die Suite-Nutzer genießen, zu erweitern.

Leistung

Auf der Leistungsseite sehen wir bemerkenswerte Aktualisierungen bei Verfolgen von Aktionen sowohl auf Clipebene als auch direkt in den Szenen auf dem Hauptkanal. Außerdem hat Andrew Robertson BeatSeeker (https://www.ableton.com/en/packs/beatseeker/) jetzt in die Software integriert und ermöglicht es, eingehendes Audiomaterial, wie z. B. das Snare-Signal eines Schlagzeugers, direkt im Tempo zu verfolgen.

Aktualisierte Follow-Actions

Mühsame manuelle Anpassungen gehören nun der Vergangenheit an, da die folgenden Funktionen integriert sind Verknüpfte Follow-Aktionen die sich auf die Länge des Clips stützen, um die programmierte Aktion auszulösen.

Aktualisiert: Meister Chanel

Folgeaktionen können auch direkt in Szenen programmiert werden programmiert werden, um eine Session automatisch durchzuspielen. Wenn Sie die Größe des Masters ändern, werden auch zusätzliche Informationen wie Tempo- und Taktartänderungen angezeigt, die zuvor in die Szenen programmiert werden mussten.

 

Extras

CPU-Messung

Die Verwendung von CPU-intensiven Effekten wie Hybrid Reverb und modernen Synthesizern und Effekten von Drittanbietern lässt ältere Laptop-Lüfter oft auf Hochtouren laufen, um die Brände zu löschen. Um herauszufinden, woher die Belastung kommt, können wir jetzt die CPU-Auslastung direkt auf den Kanälen unter dem Fader zu überwachen. Die CPU-Auslastung wird sowohl für die einzelnen Kanäle als auch für den Master in Spitzen- und Durchschnittswerten angezeigt.

Schablonen

Die meisten DAWs ermöglichen die Verwaltung von Vorlagen direkt in der Software. Anstatt Vorlagen umständlich auf der Festplatte zu verwalten, Live 11 schließt zur Norm auf und bietet die Speicherung und den Abruf von Vorlagen unter dem Abschnitt "Kategorien" in der Browser-Seitenleiste.

 

Schieben Sie

Mit all diesen neuen Updates für Workflows und Geräte werden Besitzer des Push-Instruments nicht im Regen stehen gelassen. Das Team von Ableton hat großen Wert darauf gelegt, dass das Instrument die Software ausschließlich auf dem Gerät steuern kann, daher werden die neuen Geräte Visualisierungen enthalten, Clip-Keys und Skalen werden automatisch synchronisiert, wir werden bis zu 16 Makros sehen können und polyphonen Aftertouch haben.

 

Schlussfolgerung

Das Update mag oberflächlich betrachtet glanzlos oder erwartungsgemäß erscheinen, aber in Wahrheit sind die Workflow-Verbesserungen sowohl an der Audio- als auch an der MIDI-Front bahnbrechend. Updates und Upgrades für bestehende Instrumente und Geräte werden dazu führen, dass Benutzer weniger nach Optionen von Drittanbietern greifen müssen, während neue Ergänzungen die Leute dazu inspirieren werden, neue und einzigartige Sounds zu kreieren.

Gemeinschaft im Rampenlicht: Nofretete Gold

Willkommen zu unserem allerersten Community Spotlight, in dem wir das Licht auf die unglaublich talentierte Nefertiti Gold werfen werden!

Nefertiti begann im April 2020 mit 343 Labs zu lernen und hat unsere Kurse Logic Pro, Vocal Production, Electronic Music Composition & Arrangement und Mixing & Mastering belegt - also fast das komplette Programm! Mit einem so reichhaltigen musikalischen Hintergrund und Auftritten bei einigen unglaublichen Veranstaltungen, einschließlich SXSW im Jahr 2019, ist Nefertiti definitiv eine, die man im Auge behalten sollte! Wir haben ihr ein paar Fragen gestellt, um mehr über dieses lyrische Genie mit der Stimme eines Engels zu erfahren...

Erzählen Sie uns ein wenig über sich selbst. Wie lange produzieren Sie schon und wie sind Sie zur Musik gekommen?

Nun, mein Künstlername ist Nefertiti Gold und mein Name ist Nefertiti (lol). Ich war schon immer in erster Linie Sängerin und habe im Laufe der Zeit ein bisschen Klavier und ein bisschen Gitarre gelernt, um mich selbst zu begleiten. Ich habe eine klassische Ausbildung, also habe ich angefangen, klassische Arrangements zu singen, und habe im Nebenfach Gesang am Kean Conservatory of Music studiert. Nach Beendigung des Studiums habe ich mich wieder dem Gesang im zeitgenössischen R&B-Stil zugewandt und bin zu Live-Auftritten übergegangen. Ich hatte die Gelegenheit, an einigen ziemlich coolen Orten von New York bis LA aufzutreten und 2019 beim SXSW, aber was die Musikproduktion angeht, ist das immer noch ziemlich neu für mich, da ich erst seit etwa 8 Monaten damit zu tun habe.

Was gefällt Ihnen am besten daran, Student bei 343 zu sein?

Am besten gefällt mir an der 343, dass ich von einigen der erfahrensten Musiker lernen kann, nicht nur in Bezug auf die kreative Seite der Musik, sondern auch auf die technische Seite.

Welches ist deine Lieblingsmusikrichtung, wenn du Musik machst?

Meine Lieblingsgenres sind Trap und R&B, obwohl ich immer noch lerne, wie man sie so verändert, dass sie richtig poppen können.

Was inspiriert dich, wenn du Musik machst, und zu welchen Künstlern oder Produzenten schaust du auf?

Musik ist für mich eine emotionale Erfahrung, also bin ich wahrscheinlich immer in meinen Gefühlen, wenn ich einen Song schreibe (lol). Künstler, zu denen ich aufgeschaut habe, waren vor allem Sängerinnen wie Whitney Houston, Musiq Soulchild, Brandy und Jazmine Sullivan.
Wie würdest du deinen individuellen Sound definieren?

Vor der Pandemie wurden meine Auftritte in der Regel als "Coffee House R&B" bezeichnet - etwas, das chillig ist und immer für Stimmung sorgt.

Haben Sie irgendwelche Projekte am Laufen? Erzählen Sie uns davon!

Ich habe vor kurzem an Halloween mein erstes Beat-Tape mit dem Titel "Island Universe" veröffentlicht. Die Prämisse ist die Idee, irgendwo anders hinzugehen, in eine andere Welt oder auf einen anderen Planeten, was ich während meines Lernprozesses, zu produzieren und meine Ideen zu verwirklichen, getan habe. Außerdem bin ich gerade dabei, meine nächste EP zusammenzustellen, auf die ich mich schon sehr freue, da ich wieder in der Kabine singen werde.

Was sind Ihre Ziele für das kommende Jahr?

Für meine Ziele in diesem Jahr habe ich mir vorgenommen, die Dinge recht einfach zu halten und mir nicht zu viel aufzubürden. Ich möchte mich darauf konzentrieren, meine EP zusammenzustellen, deren Titel ich in den nächsten Monaten bekannt geben werde, und ich möchte außerdem Spanisch lernen 🙂 .

Gibt es etwas, das Sie der 343-Community mitteilen oder sagen möchten?

Ich weiß gar nicht, wo ich anfangen soll! Ich bin dankbar, dass es da draußen eine Musik-Community gibt, die genauso besessen ist wie ich (lol). Das Unterstützungssystem ist fantastisch. Und es ist großartig, dass ich so viele verschiedene talentierte Menschen aus unterschiedlichen Genres kennengelernt habe, die es mir ermöglichen, so viel wie möglich zu lernen. Und das Wichtigste von allem: Black Lives Matter.
Man kann also mit ziemlicher Sicherheit sagen, dass Nofretete ein Boss ist, wenn es um Musik geht, und wir könnten nicht glücklicher sein, dass wir sie als Teil unserer Community haben!

 

Weitere Musik finden Sie unter den folgenden Links (alle gängigen Plattformen):

https://fanlink.to/IslandUniverse https://fanlink.to/_GOLD

Sie können sie auch über die unten aufgeführten sozialen Links finden und ihr folgen:

Website: www.nefertitigoldmusic.com

Youtube : www.youtube.com/nefertitigold

Facebook: facebook.com/nefertitigoldmusic

Instagram: instagram.com/nefertiti.gold

Twitter: https://twitter.com/nefertitigold_

Snapchat: https://snapchat.com/add/nefertiti.gold

Vielen Dank, dass ihr euch unser allererstes Community Spotlight angesehen habt! Bleibt dran für unser nächstes Spotlight, das sich auf unseren eigenen Techno-Gott, Mr. Abe Duque, konzentrieren wird, der ein langjähriger 343 Labs-Ausbilder ist.

Die besten kostenlosen und kostenpflichtigen DAWs für Einsteiger und Profis

Der beste Freund eines Produzenten ist seine digitale Audio-Workstation (DAW). Das ist die Software, die sie zum Erstellen und Aufnehmen von Musik verwenden.

Die Wahl der richtigen DAW ist so, wie wenn ein Gitarrist die richtige Gitarre oder ein Sänger das richtige Mikrofon auswählt. Im Gegensatz zu einem einzelnen Instrument oder Mikrofon besteht eine DAW jedoch aus scheinbar unendlich vielen Klangprofilen und Audiobearbeitungsoptionen. 

Sie sind jedoch nicht alle gleich, und in vielen Fällen bekommen Sie das, wofür Sie bezahlen. Die Wahl der richtigen DAW für Sie hängt von Ihrem Budget, Ihren musikalischen Interessen und Ihrer Computersoftware ab. In der Tat verwenden viele Produzenten je nach Aufgabe verschiedene DAWs, da jede ihre eigenen Stärken und Schwächen hat.

In diesem Artikel werden wir die beste DAW für Einsteiger, die besten kostenlosen DAWs und unsere Favoriten für die beste DAW für den modernen Produzenten von heute vorstellen. Doch zunächst wollen wir einen Blick auf den eigentlichen Zweck einer Digital Audio Workstation werfen.

Was genau ist eine DAW?

1978 baute Soundstream das, was viele als die erste digitale Audio-Workstation bezeichnen. Einige Jahrzehnte später kamen Dutzende von DAWs auf den Markt, da sich die Technologie und ihre Rolle bei der Musikproduktion weiterentwickelten.

Eine DAW ist im Wesentlichen ein Softwareprogramm, mit dem Sie Audio- und MIDI-Daten produzieren, aufnehmen, komponieren, mischen und bearbeiten können. Die meisten DAWs bestehen aus einem einzelnen Programm auf einem Computer, aber komplexere DAWs bestehen aus einer Konfiguration mehrerer Komponenten, die von einem zentralen Computer gesteuert werden. 

Eine gute DAW ermöglicht es Ihnen, verschiedene Klänge in einem zeitbasierten Raster zu kombinieren und zu mischen. Darüber hinaus verfügen die meisten über verschiedene Audio- und MIDI-Effekte und Plug-ins, mit denen Sie Klänge manipulieren und neu interpretieren können.

Worauf sollten Sie bei einer DAW achten?

Da es inzwischen so viele verschiedene DAWs auf dem Markt gibt, kann die Entscheidung, in eine davon zu investieren, unglaublich entmutigend sein. In manchen Fällen hängt es einfach von Ihrem Computer ab. Wenn Sie beispielsweise einen Windows-Computer haben, können Sie Logic nicht verwenden, da es nur für den Mac geeignet ist. 

Andererseits hängt die Qualität der Software von Ihrem Budget ab. Es gibt kostenlose DAWs, die einige gute Basiswerkzeuge für die Produktion bieten, aber irgendwann stößt man wahrscheinlich an seine Grenzen. Die meisten kostenpflichtigen DAWs wie Ableton oder FL Studio haben verschiedene Preisstufen, die es Ihnen ermöglichen, die Software zu einem ermäßigten Preis zu nutzen, aber mit weniger Zugang als die Vollversionen.

Am wichtigsten ist, dass Ihr Ziel als Künstler bei Ihrer Entscheidung im Vordergrund steht. Wenn Sie wissen, dass Sie live auftreten wollen, dann ist Ableton wahrscheinlich die beste Wahl für Sie. Wenn es Ihnen vor allem um die Aufzeichnung von Audiodaten und die technische Bearbeitung geht, ist Pro Tools die richtige Wahl für Sie. In den meisten Fällen können Sie die DAW, an der Sie interessiert sind, kostenlos ausprobieren, um zu sehen, was für Sie am besten geeignet ist.

Die meisten DAWs können ein bisschen von allem, aber es gibt erhebliche Unterschiede in ihren Fähigkeiten, und wir wollen sie für Sie aufschlüsseln.

Die besten kostenlosen DAWs

Wie bei den meisten Dingen im Leben gilt: Was zu schön ist, um wahr zu sein, ist es wahrscheinlich auch, und dazu gehört auch die kostenlose Nutzung komplexer Software wie einer Digital Audio Workstation. Wenn Sie jedoch ein Anfänger sind oder nur einige grundlegende Audiobearbeitungen vornehmen möchten, müssen Sie oft nicht Hunderte von Euro für ein teures Programm ausgeben, wenn ein kostenloses Programm ausreicht.

Hier sind unsere Top-Tipps für die vielseitigsten und einfallsreichsten DAWs, die Sie nichts kosten und die Sie sofort einsetzen können:

GarageBand

GarageBand ist eines der beliebtesten Musiksoftwareprogramme, und das aus gutem Grund.

Es ist Apples Standardwerkzeug für die Musikproduktion und hat sich den Ruf erworben, der Industriestandard für DIY-Musiker mit kleinem Budget zu sein. Leider ist es nur für Apple-Nutzer gedacht (sorry, Windows). 

Auch wenn es nicht so ausgereift ist wie sein fortgeschrittenes Gegenstück Logic Pro, ist GarageBand eine der besten DAWs für Anfänger und bietet einige ziemlich komplexe Funktionen. Es bietet eine ordentliche Auswahl an virtuellen Instrumenten, Audio-Loops und verschiedenen Sounds. 

CakeWalk von BandLab

CakeWalk ist eine kostenlose Version von SONAR Platinum - ohne die Software von Drittanbietern - für Windows-Benutzer.

Wie SONAR verfügt es über viele der gleichen Effekte: Equalizer, Kompressoren, Limiter und mehr. Es unterstützt VST-Plug-ins, Bluetooth-MIDI und einen virtuellen Mixer im Stil einer analogen Konsole. Der einzige Nachteil ist, dass Sie zuerst die BandLab Assistant Software installieren und sich für ein kostenloses BandLab Benutzerkonto anmelden müssen.

CakeWalk ist eine gute Wahl für Windows-Anwender, die in die Produktion einsteigen wollen, aber noch nicht bereit sind, das Geld für eine fortgeschrittene DAW auszugeben.

PreSonus Studio One

Studio One Prime von PreSonus ist eine hervorragende Einsteiger-DAW. Sie bietet 1,5 GB lizenzfreie, unbegrenzte Audiospuren und Mixerkanäle, Time-Stretching, Multitrack-Comping, erweiterte Automatisierung und mehr. 

Der größte Nachteil für viele Studio One-Benutzer ist die fehlende Unterstützung von VST-Plug-ins. Songwriter oder Bands werden diese kostenlose DAW wegen ihrer unbegrenzten Tracking- und Mixing-Fähigkeiten wahrscheinlich am meisten nutzen können.

Pro Tools | First

Für viele ist Pro Tools First eine attraktive Wahl, wenn es um Freeware geht, weil die DAW einen guten Ruf genießt. Schließlich ist Pro Tools ein Industriestandard.

Die kostenlose Version enthält AAX-Plugin-Unterstützung, zahlreiche Werkzeuge für Audioaufnahme und -abmischung, über zwanzig native Effekte und vieles mehr. Allerdings können Sie damit nur bis zu sechzehn Spuren und vier Audioeingänge pro Projekt nutzen. Es ist auch eine ziemlich große CPU und Speicherfresser, so dass es nicht die beste Wahl für diejenigen mit einem langsameren Computer.

Tracktion Waveform Free

Waveform Free ist auch bekannt als die kostenlose Version der digitalen Audio-Workstation-Software der Tracktion Corporation. Sie ist voll von ausgezeichneten Funktionen und bietet volle VST-Plug-in-Unterstützung. 

Waveform Free eignet sich besonders gut für elektronische Musik, da es virtuelle Instrumente laden kann und über eine Vielzahl kreativer MIDI-Funktionen verfügt, die auch für Anfänger leicht zu verstehen sind.

Die besten kostenpflichtigen DAWs

Für Produzenten, die ihre Arbeit ernst nehmen und bereit sind, für weniger Einschränkungen etwas mehr Geld auszugeben, ist die Investition in eine hochwertige DAW eine der besten Möglichkeiten, ihre Arbeit auszubauen.

Stellen Sie sich vor, Sie kochen in einer kleinen, beengten Küche mit einer Pfanne und einem Plastikspachtel und werden dann in eine riesige Profiküche mit unendlich vielen hochmodernen Geräten versetzt - ein Upgrade auf eine Vollversion einer Standard-DAW kann Ihre Musik erheblich aufwerten. 

Auch wenn es frustrierend sein kann, Hunderte von Dollar für eine Software auszugeben, wenn es Freeware gibt, glauben wir, dass sie nicht nur Ihre Musik, sondern auch Ihren Arbeitsablauf und Ihre allgemeine Herangehensweise an das Musikmachen erheblich verbessern kann. In diesem Sinne sind hier unsere Top-Tipps für kostenpflichtige DAWs.

Ableton Live

Ableton hat sich in der Musikbranche einen Namen gemacht, obwohl die Software ursprünglich vor allem für Live-Performances gedacht war. Heute ist es der Industriestandard für elektronische Live-Musik, aber es entwickelt sich schnell zu einer beliebten DAW für das Produzieren, Mischen, Komponieren und mehr.

Ausgestattet mit integrierten Sampling- und Synthese-Plug-Ins, Hunderten von virtuellen Instrumenten und Effekten sowie einem erstklassigen Workflow-Design ist sie eine der besten DAWs auf dem Markt. Die Session-Ansicht ist perfekt, um Clips und Loops live zu triggern.

Ableton gibt es in drei verschiedenen Versionen: Lite, Standard und Suite. 

Logic Pro

Logic ist eine der erschwinglichsten hochwertigen DAWs auf dem Markt. Mit einem Preis von nur 200 $ übertrifft es alle seine Konkurrenten in Bezug auf das Preis-Leistungs-Verhältnis, ist aber nur für Apple-Benutzer verfügbar.

Sie verfügt über eine Vielzahl von Plug-Ins, hochwertige Audio-Loops und eine beeindruckende Arrangement-Ansicht, die den Arbeitsablauf und die Komposition erleichtert. Es ist wohl eine der am häufigsten verwendeten DAWs in der heutigen Musikwelt, vor allem, weil die meisten Musiker Apple als Computer wählen. 

Logic eignet sich für so gut wie alles, aber am besten für Künstler, die Audiodaten aufzeichnen und aufnehmen sowie mit einzigartigen Produktions- und Mischmethoden kreativ werden wollen.

Pro Tools

Pro Tools ist wirklich der Industriestandard unter den DAWs. Es ist die Software der Wahl für fast jedes professionelle Studio. Für Toningenieure und Aufnahmekünstler gibt es nur wenige Konkurrenten. 

Pro Tools hat sich jedoch in der Gemeinde der Schlafzimmerproduzenten nie richtig durchgesetzt. Für diejenigen, die sample-basierte elektronische Musik kreieren wollen und dabei den Schwerpunkt auf die Erstellung von Musik ausschließlich auf dem Laptop legen, ist Pro Tools vielleicht nicht die richtige Wahl.

Es eignet sich am besten als Werkzeug für die Aufnahme und das Abmischen von Audiodaten in einer Studioumgebung. Obwohl es vielseitig genug ist, um alles zu erreichen, was Sie wollen, sollten Sie nicht erwarten, dass der Workflow so nahtlos ist wie bei anderen DAWs wie Ableton oder FL Studio.

FL-Studio

FL Studio war ursprünglich unter dem Namen Fruity Loops bekannt. Es wurde zu einem Grundnahrungsmittel in der Welt der Hip-Hop-Produktion. Viele prominente Hip-Hop-Produzenten wie Metro Boomin setzen sich auch heute noch für diese DAW ein. Sie war zunächst nur für Windows-Benutzer verfügbar, aber jetzt ist sie auch für Apple-Benutzer verfügbar.

Es wird mit einer Vielzahl von Plug-ins und hochwertigen Sounddesign-Tools geliefert, was es zu einer der besten DAWs für Produzenten macht. Insbesondere ist FL Studio eine Hauptstütze für Beatmaker und Looper. Sein einzigartiger Workflow ermöglicht die schnelle und einfache Produktion von guten Beats und elektronisch getriebenen Kompositionen.

Cubase

Als eine der ersten kommerziell erhältlichen DAWs genießt Cubase seit langem den Ruf einer beliebten Produktionssoftware. Ursprünglich war es nur für die MIDI-Nutzung gedacht und verfügt daher über einige der besten MIDI-Bearbeitungsfunktionen.

Auch wenn Cubase nicht so populär ist wie einige der neueren, auffälligeren DAWs, so ist es doch eine historische Software, die mit jeder der moderneren DAWs mithalten kann. 

Schlussfolgerung

Wie bei jeder Musikausrüstung liegt die Schönheit im Auge des Betrachters. Es gibt keine Software, die für jeden das Richtige ist. Deshalb ist es wichtig, sich mit den eigenen Ambitionen als Künstler auseinanderzusetzen, bevor man sich entscheidet, wo man seine Zeit und sein Geld für eine DAW investiert.

Für diejenigen, die mit einem kostenlosen Programm beginnen möchten, gibt es je nach Computer eine Vielzahl von Möglichkeiten. Aber seien Sie sich bewusst, dass Sie das bekommen, wofür Sie bezahlen, und dass Sie mit vielen Einschränkungen konfrontiert werden, die bezahlte DAWs nicht haben.

Diejenigen, die bereit sind, das Geld auszugeben, sollten sich mit einigen Testversionen verschiedener DAWs Zeit lassen, bevor sie ihre Kreditkartendaten eingeben. Der Workflow ist unglaublich wichtig, und wenn eine DAW für Sie einfach nicht funktioniert, ist das wahrscheinlich ein wichtiges Zeichen, dem Sie folgen sollten.

Wenn Ihr kreativer Prozess durch technische Pannen ins Stocken gerät, ist das eine wichtige Hürde, die es zu überwinden gilt. Finden Sie die DAW, die am besten zu Ihrem kreativen Prozess passt, und von dort aus können Sie nur noch vorankommen.

Welches sind die besten Studiomonitore?

Ein hochwertiges Paar Studiomonitore ist eines der wichtigsten Werkzeuge für jedes Heimstudio.

Ob Sie nun mischen, mastern oder einfach nur das Intro eines Tracks produzieren - ein gutes Monitorset liefert Ihnen ein klares und authentisches Audiosignal, damit Sie Ihren Sound richtig ausarbeiten können.

Normale Laptop-Lautsprecher und minderwertige Regallautsprecher sind hilfreich, um deinen Mix auf einem durchschnittlichen Soundsystem zu referenzieren - denn wenn dein Track auf einem iPhone nicht gut klingt, braucht er mehr Arbeit. Aber wenn es darum geht, Ihrem Sound ein sauberes, hochwertiges Audiosignal zu geben, gibt es wirklich keinen Vergleich.

Stellen Sie sich zum Beispiel vor, Sie stehen in einem Kunstmuseum vor einem riesigen, drei Meter hohen Gemälde: Sie können jeden Pinselstrich, jede Textur, jede Farbe und jedes winzige Detail sehen. Nun stellen Sie sich vor, Sie sehen ein minderwertiges. JPEG desselben Gemäldes auf einem Handy. Das ist der Unterschied zwischen der Arbeit an Musik mit hochwertigen Monitoren und Laptop-Lautsprechern.

Die meisten Studioproduzenten kennen den Wert von Studiomonitoren, aber die Frage ist, ob sie erschwinglich sind. Viele hochmoderne Monitore können leicht Tausende von Dollar kosten. Aber die gute Nachricht ist, dass es günstige Studiomonitore gibt, die die Aufgabe gut genug erledigen, um sicherzustellen, dass Ihre Musik professionell klingt.

In diesem Artikel stellen wir Ihnen die besten Studiomonitore für jedes Budget vor, um Ihnen die Entscheidung zu erleichtern, welche Monitore die richtigen für Sie sind. Doch bevor wir uns den eigentlichen Produkten zuwenden, sollten Sie einige wichtige Dinge beachten, bevor Sie einen neuen Satz Monitore kaufen.

Die Behandlung Ihres Zimmers

Dieser Schritt wird von vielen Produzenten oft übersehen. Sie können die schönsten High-End-Lautsprecher haben, aber wenn Ihr Raum nicht richtig behandelt wird, macht es vielleicht keinen keinengroßen Unterschied.

Denken Sie an ein professionelles Studio: Die Leute geben Tausende aus, nur um den Raum zu behandeln, und da sind die Kosten für die Aufnahmegeräte noch gar nicht eingerechnet. Das bedeutet nicht, dass Sie Tausende ausgeben müssen, aber im Idealfall sollte Ihr Raum so neutral und isoliert wie möglich sein.

Ganz gleich, ob Sie Akustikschaumstoffblöcke kaufen oder sich einen eigenen Soundrahmen basteln, wichtig ist, dass Sie Ihren Raum so behandeln, dass er mit Ihnen und nicht gegen Sie arbeitet. Je nach Form und Layout Ihres Raums müssen Sie auch den besten Platz für die Aufstellung Ihrer Lautsprecher finden. 

Die Größe Ihrer Monitore

Im Allgemeinen gilt: Je größer Ihre Monitore sind, desto mehr Leistung haben sie. Das mag ein offensichtlicher Grund sein, die größten Monitore zu kaufen, die Sie sich leisten können, aber vielleicht brauchen Sie gar nicht so viel Leistung.

Je nach Größe Ihres Arbeitsplatzes und Ihres Raumes brauchen Sie vielleicht nicht die größten Lautsprecher. Wenn Ihre Lautsprecher zu groß für den Raum sind, können sie ihn sogar überlasten. Messen Sie vor dem Kauf Ihren Arbeitsplatz und Ihren Raum aus, um sicherzustellen, dass Sie die richtige Größe und Leistung wählen.

Studio-Monitorständer und Schaumstoff-Isolationskissen

Wenn Sie ein Paar Monitore kaufen, benötigen Sie wahrscheinlich entweder Studiomonitorständer oder Schaumstoff-Isolationskissen. Die Lautsprecherständer sind am besten geeignet, wenn Sie den entsprechenden Platz haben.

Wenn Sie jedoch planen, Ihre Lautsprecher einfach auf Ihrem Schreibtisch aufzustellen, werden Schaumstoff-Isolationspads helfen, den Klang Ihres Raumes zu behandeln.

Die Platzierung der Lautsprecher

Es ist an sich nichts Schlechtes daran, ein Paar Lautsprecher auf ein Bücherregal oder Ihren Schreibtisch zu stellen, aber um auf die Behandlung Ihres Raums zurückzukommen, sollten Sie sie so gut wie möglich aufstellen, damit Sie ein klares Signal erhalten.

Achten Sie darauf, dass Sie den richtigen Monitor in der richtigen Entfernung zu Ihnen aufstellen. Nahfeldmonitore sind beispielsweise am besten geeignet, wenn sie näher an Ihren Ohren aufgestellt werden, was in den meisten Heimstudios gut funktioniert. Midfield-Monitore sind dagegen am besten geeignet, wenn sie in einem größeren Raum weiter entfernt aufgestellt werden.

Die besten günstigen Studiomonitore

Jetzt ist es an der Zeit, über konkrete Produkte zu sprechen. Sie haben wahrscheinlich schon von den klassischen Marken gehört: ADAM, Yamaha, KRK, Focal, Mackie, Presonus, Genelec, Dynaudio, Neumann, usw. Man kann sich zu Tode darüber streiten, welche Produkte besser sind, aber die Wahrheit ist, dass es wirklich auf das Musikgenre, die persönlichen Vorlieben und die Preisklasse ankommt.

Obwohl die Qualität der Geräte sehr subjektiv ist, sind wir der Meinung, dass diese Monitore die zuverlässigsten und interessantesten sind.

 

Unter $300

Wenn Sie gerade erst anfangen und einfach nach den besten preiswerten Studiomonitoren suchen, gibt es verschiedene Möglichkeiten. Günstige Studiomonitore können bei richtiger Verwendung immer noch eine Menge leisten. Wer gerade erst mit dem Produzieren anfängt, sucht in der Regel nach einer budgetfreundlichen Option.

Hier sind unsere Empfehlungen für Produkte unter 300 $:

1. Presonus 3.5s
   • Durchschnittspreis: $99.95 (Paar)
   • Leistungsaufnahme: 25 Watt
   • Link: Amazon
2. IK Multimedia iLoud Micro
   • Durchschnittspreis: $299.99 (Paar)
   • Leistungsaufnahme: 50 Watt
   • Link: Sweetwater
3. M-Audio BX5-D3
   • Durchschnittspreis: $149 (Einzelperson)
   • Leistungsaufnahme: 100 Watt
   • Link: Gitarrencenter
4. JBL One Serie 104
   • Durchschnittspreis: $179 (Paar)
   • Leistungsaufnahme: 60 Watt
   • Link: Sweetwater
5. Alesis Elevate 5 MKII
   • Durchschnittspreis: $129 (Paar)
   • Leistungsaufnahme: 40 Watt
   • Link: Sweetwater

Unter $600

Wenn Sie bereit sind, etwas mehr Geld in die Hand zu nehmen, haben Sie ernsthafte Vorteile, wenn Sie Ihr Budget für höhere Qualität aufstocken. Diese werden wahrscheinlich nicht die Bank sprengen, aber sie kommen mit einem mittleren Preisschild. 

Für Produzenten, die über die Einsteigerphase hinaus in ernstere Gefilde vordringen wollen, haben wir hier unsere Top-Tipps für unter 600 Dollar.

1. Yamaha HS5
   • Durchschnittlicher Preis: $199.99 (einzeln)
   • Leistungsaufnahme: 70 Watt
   • Link: Amazon
2. JBL 308P MKII
   • Durchschnittspreis: $249 (Einzelperson)
   • Leistungsaufnahme: 112 Watt
   • Link: Sweetwater
3. KRK ROKIT8G4 KRK 8″.
   • Durchschnittspreis: $298 (Einzelzimmer)
   • Leistungsaufnahme: 203 Watt
   • Link: Amazon
4. ADAM Audio T5V 5
   • Durchschnittspreis: $199 (einzeln)
   • Leistungsaufnahme: 50 Watt
   • Link: Sweetwater
5. Brennpunkt Alpha 50
   • Durchschnittspreis: $299 (Einzelperson)
   • Leistungsaufnahme: 55 Watt
   • Link: Sweetwater

Unter $1.000

Wenn wir uns in diese höhere Preisklasse begeben, wird die Qualität des Lautsprechers viel ausgeprägter sein. Neue Frequenzen werden verfügbar, und das Audiosignal wird klarer. 

Diese Lautsprecher sind für fortgeschrittene Produzenten zu empfehlen, die in langfristige, hochwertige Produkte für ihr Heimstudio investieren möchten. Hier sind unsere Top-Produkte unter 1.000 $:

1. Yamaha HS8
   • Durchschnittspreis: 369 $ (Einzelzimmer)
   • Leistungsaufnahme: 60 Watt
   • Link: Amazon
2. ADAM A5X
   • Durchschnittlicher Preis: $499 (Single)
   • Leistungsaufnahme: 100 Watt
   • Link: Sweetwater
3. KRK ROKIT 10-3 GR4
   • Durchschnittlicher Preis: $499 (Single)
   • Leistungsaufnahme: 300 Watt
   • Link: Amazon
4. Brennpunkt Alpha 65
   • Durchschnittspreis: $399 (einzeln)
   • Leistungsaufnahme: 105 Watt
   • Link: Sweetwater
5. Mackie XR624
   • Durchschnittspreis: $299 (Einzelperson)
   • Leistungsaufnahme: 160 Watt
   • Link: Amazon

Über $1.000

Diese High-End-Monitore verwandeln Ihr Schlafzimmerstudio in ein hochmodernes Studio. Obwohl die Preise für diese Lautsprecher recht hoch sind, sind sie eine lohnende Investition für jeden Musiker, der das ultimative Heimstudio einrichten möchte. 

Hier sind unsere Top-Entscheidungen für die besten der besten Monitore im Bereich von über 1.000 $.

1. Hedd Typ 07
   • Durchschnittspreis: $399 (einzeln)
   • Leistungsaufnahme: 200 Watt
   • Link: B&H
2. Dynaudio Lyd 48 
   • Durchschnittspreis: $1.149 (Einzelperson)
   • Leistungsaufnahme: 105 Watt
   • Link: Sweetwater
3. Neumann KH 120
   • Durchschnittspreis: $399 (einzeln)
   • Leistungsaufnahme: 180 Watt
   • Link: Sweetwater
4. Brennpunktform 65
   • Durchschnittspreis: $999 (einzeln)
   • Leistungsaufnahme: 105 Watt
   • Link: Sweetwater
5. Genelec 8030c
   • Durchschnittspreis: $695 (Einzelperson)
   • Leistungsaufnahme: 100 Watt
   • Link: B&H

Schlussfolgerung

Ein hochwertiges Paar Studiomonitore ist ein Muss für jedes Heimstudio, und sie müssen kein Vermögen kosten, um den Unterschied in Ihrer Musik zu machen. 

Über diese Liste hinaus empfehlen wir Ihnen, in einem Musikgeschäft in Ihrer Nähe nachzusehen, ob es mehrere Lautsprecher gibt, mit denen Sie Ihre Musik testen können. Achten Sie aber darauf, dass Sie nicht nur Ihre eigenen Beats testen. Spielen Sie auch Referenztitel Ihrer Lieblingskünstler ab.

Welche Studiomonitore verwenden Sie? Welches Modell haben wir übersehen, das wir in Betracht ziehen sollten?

Was ist House-Musik?

Was ist House-Musik? Geschichte, Ursprünge und Produktionstipps

Wenn Sie mit House-Musik noch nicht vertraut sind, haben Sie sie wahrscheinlich schon einmal gehört, ohne es zu wissen. Vier Kick-Drums auf dem Boden, swingende Hi-Hats, gospelartige Vocal-Samples, schwungvolle Akkordfolgen und funkige Basslinien sind ein wesentlicher Bestandteil der einzigartigen Identität des Genres. Es gibt zwar keine konkrete Definition von House-Musik, aber es gibt einige Merkmale, die wir Ihnen beibringen werden und die sie sofort erkennbar machen. 

Es ist ein Genre, das in den verschiedenen Phasen der Clubkultur seinen Weg um die Welt gemacht hat. Der House-Sound hat sogar in anderen Genres wie Pop, Hip-Hop und Indie-Rock seine Spuren hinterlassen. Da es sich um einen sich ständig wiederholenden Musikstil handelt, ist es nicht allzu schwierig, ihn zu reproduzieren, wenn man die Grundformel einmal verstanden hat. Tatsächlich lebt das Genre von Wiederholungen. Es sind die Feinheiten dazwischen, die bestimmte Tracks herausragen lassen.

In diesem Beitrag zeigen wir dir, wie du mit der Produktion von House-Musik beginnen kannst. Viele Neulinge tun sich am Anfang schwer, aber mit diesen Methoden wird es garantiert für jeden einfacher. Doch bevor wir uns damit beschäftigen, wie man in diesem Genre produziert, werfen wir einen Blick auf die Ursprünge der House-Musik und wie sie zu dem vielfältigen Dance-Genre wurde, das wir heute kennen und lieben.

 

 

Ursprünge der House-Musik

Wo liegen die Anfänge der House-Musik? Die Geschichte der House-Musik lässt sich bis in die späten 1970er Jahre zurückverfolgen, als DJs in den Underground-Clubs von Chicago - und später New York - begannen, Tanzmusikgenres zu einer mechanischeren Formel mit ausgeprägten, tiefen Basslinien zu vermischen. Es wird oft gesagt, dass die House-Musik aus der Asche der Disco aufstieg. DJs, die die Disco-Kultur hinter sich ließen, begannen mit neuen Mischtechniken und rhythmischen Variationen zu experimentieren, die schließlich zu House wurden.

Historische Nachtclubs wie das "Warehouse" in Chicago und die "Paradise Garage" in New York dienten als Anlaufstelle für ein mehrheitlich schwarzes, lateinamerikanisches und LGBT-Publikum. Die House-Szene wurde als Zufluchtsort für diese marginalisierten Gemeinschaften angesehen. Inklusivität und Gleichberechtigung sind der Kern der Ursprünge der House-Musik.

Frankie Knuckles, der von schwarzen Künstlern entwickelt wurde, gilt weithin als der "Godfather of House Music". Andere bahnbrechende schwarze Innovatoren wie DJ Ron Hardy und Larry Levan waren in den Anfangstagen der House-Musik wegweisend. In dieser Zeit war es nicht ungewöhnlich, dass DJs nicht über eine Grundausstattung wie Plattenspieler mit unterschiedlichen Geschwindigkeiten oder sogar Mixer verfügten. Aufgrund dieser Einschränkungen mischten Pioniere wie Frankie Knuckles Songs mit einer Kassettenmaschine neu ab und fügten dem Mix einzigartige Breakdowns hinzu. 

Diese Entwicklung der Tanzmusik ermöglichte es der House-Musik, in den Underground-Clubs zu florieren, aber sie führte auch zur Entstehung verschiedener Subgenres der House-Musik. 

 

 

Die verschiedenen Arten von House-Musik

Geleitet von Larry Heard, Deep House entstand durch die Verschmelzung von Chicago-House-Elementen mit Anklängen an Jazz, Funk und Soulmusik. Das Subgenre zeichnete sich durch den Einsatz der legendären Roland TR-909 Drum Machine, weiche Keyboard-Pads, Ambient-Mixe und komplexe Akkordfolgen aus und entwickelte sich zu einer langsameren, flüssigeren und stilvollen Version von House.

Es folgte Acid-House mit seiner einzigartigen Betonung des "quäkenden" Sounds des elektronischen Synthesizer-Sequenzers Roland TB-303. Er wurde populär gemacht durch DJ Pierre und und trug dazu bei, die House-Musik einem weltweiten Publikum nahe zu bringen, und ihr Einfluss breitete sich auf andere Tanzgenres wie Jungle, Techno und Trip-Hop aus.

House wurde Ende der 80er Jahre vom Underground zum Mainstream außerhalb der Vereinigten Staaten, als Farley "Jackmaster" Funks "Love Can't Turn Around" auf Platz 10 der britischen Single-Charts landete. Schließlich wurde das Vereinigte Königreich zu einem Hotspot für das Genre, das sich in der ganzen Welt im Bereich der Tanzmusik verbreitete.

Mit der zunehmenden Popularität des Genres entstanden weitere Subgenres. In den letzten zehn Jahren haben sich neue Spielarten von House wie Electro Swing, Future House, Tropical House, Lo-Fi-House und andere zu herausragenden Interpretationen des Genres entwickelt.

 

 

Wie man House-Musik macht

Wenn es darum geht, einen House-Beat in Ableton (oder einer anderen DAW) zu erstellen, gibt es einige Kernelemente und Richtlinien, die Sie befolgen und nutzen können. Wenn Sie diese bewährten Methoden kombinieren, werden Sie einige Geheimnisse der House-Musikproduktion lüften. Doch wie bei jedem Musikstück ist das Experimentieren mit eigenen Interpretationen der Schlüssel, um Ihren eigenen Sound zu finden und möglicherweise das nächste Subgenre von House zu kreieren.

 

Tempo

• Stellen Sie zunächst Ihre BPM auf einen Wert im Bereich von 115-130 BPM ein. Normalerweise liegt der Sweet Spot bei etwa 125 BPM, aber das hängt davon ab, welches Subgenre von House Sie anstreben. Während andere Musikgenres bei den BPM flexibler sind, bedeutet die Four-on-the-Floor-Natur der House-Musik, dass es wichtig ist, die BPM in einem engen Bereich zu halten. Nun ist es an der Zeit, Ihr House-Drum-Rack zu erstellen.

Schlagzeug

• Die Roland TR-909 ist der König, wenn es um die Geschichte der House-Musik geht. Sie ist eine gute Sample-Quelle, aus der Sie Ihre Kick, Hi-Hats, Claps, Rides, Snares, Shaker und mehr für Ihr Ableton-House-Drum-Rack auswählen können. Wenn Sie mit dem Aufbau Ihres Beats beginnen, sollten Sie vor allem mit Ihrem Hi-Hat-Pattern beginnen. Beginnen Sie mit einer geschlossenen Hi-Hat und einer offenen Hi-Hat.
• Erstellen Sie einen Groove, der Sechzehntelnotenbeziehungen enthält. Es sollte mehrere Stellen geben, an denen Ihre Hi-Hats durch eine Sechzehntelnote getrennt sind. Wählen Sie dann im Groove-Pool von Ableton einen schönen Swing-Groove aus und wenden Sie ihn auf Ihre Hi-Hats an. Ohne Swing hat das Pattern nicht das typische House-Gefühl.
• Dann fügen Sie Ihre Kick Drum hinzu, die einfach nur ein Vierer-Pattern auf dem Boden ist. Die Kick und die Hi-Hat bilden das Fundament des Beats. Alles andere, was du hinzufügst - Claps, Snares, verschiedene Percussions - wird dich unterstützen. Aber wie bei jedem guten House-Track ist das erste, was man von den Drums hört, fast immer ein tanzbares Kick- und Hi-Hat-Muster, das den Groove aufbaut.

Stimmproben

• Einer der besten Tipps für die Produktion von House-Musik ist es, ein kraftvolles Vocal-Sample zu finden, das Ihren Track zum Leben erweckt. In der Regel eignet sich ein gutes Gospel-Gesangssample.
• Sie können die Tonhöhe des Gesangs etwas beugen, aber im Allgemeinen ist der Gesang in der House-Musik nicht stark bearbeitet. Aus diesem Grund sollten Sie die meiste Zeit damit verbringen, die richtigen Vocal-Sample zu finden, da Sie es meist nur mit minimalen Effekten wie Delay und Reverb bearbeiten werden.

 

Akkorde

• Um Ihre eigene House-Musik zu machen, brauchen Sie ein gutes rhythmisches Muster mit Ihren Akkorden. Die Akkordfolge kann so einfach sein wie die Verwendung einiger kleiner Septime- und großer Septakkorde. Deep-House-Produzenten verwenden oft Add 9-Variationen, um ihren Akkordfolgen einen jazzigeren Charakter zu verleihen. In vielen Fällen ist weniger mehr, wenn es um Ihre Progression geht.
• Stellen Sie die Akkorde auf einer Return-Spur auf Delay ein, um die Kraft all Ihrer Sounds zu erhalten und gleichzeitig Effekte einzubauen. Diese kleine Verzögerung verleiht Ihren Akkorden mehr Schwung und räumliche Tiefe im Mix.
• Während in vielen House-Songs kurze, stakkatoartige Akkordschläge zu hören sind, können lang anhaltende Akkorde einen dramatischeren und stimmungsvolleren Effekt erzeugen, der sich langsam aufbaut. Es kommt auf das Subgenre von House an, das Sie kreieren, und auf das Gesamtgefühl, das Sie für Ihren Track wünschen.
  

Basslinie

• Für eine klassische Basslinie ist eine großartige Technik zur Produktion von House-Musik die Spiegelung des Basses mit den Akkordstabs. Mit anderen Worten: Der Bass sollte das gleiche rhythmische Muster wie die Akkorde schlagen und eine ähnliche Stakkato-Stärke aufweisen.
• Durch die Spiegelung der Akkorde und des Basses können Sie jederzeit einen der beiden weglassen, und der Track bleibt im gleichen Groove. Die beiden arbeiten im Tandem miteinander, und an einem bestimmten Punkt im Track werden Sie die Akkorde weglassen und nur den Bass rocken lassen wollen, und umgekehrt.
• Andererseits kann die Anwendung von Synkopen zwischen den Akkorden und der Basslinie ein hervorragendes Mittel sein, um eine einzigartige rhythmische Bewegung hinzuzufügen. 

Allgemeine Tipps zur Produktion von House-Musik

1. Ein unglaublich einfaches Element, um Ihrem Track mehr Farbe und Tiefe zu verleihen, ist das Hinzufügen einer anhaltenden Streicherspur. Es kann nur eine Note sein: ein Grundton, eine Quinte, eine Terz - je nachdem, was für Sie am besten klingt. Wenn Sie diese anhaltende Note hinzufügen, erhalten Sie einen klassischen House-Sound.
2. Ein weiterer Tipp, mit dem Sie Ihrem Track zu mehr Sprungkraft verhelfen können, ist das Hinzufügen einer synkopierten Snare später im Beat, um neue rhythmische Variationen hinzuzufügen. Achten Sie darauf, dass Sie die Snare mit den gleichen oder ähnlichen Swing-Einstellungen wie die Hi-Hats versehen. Sie möchten, dass der gesamte Track wie eine Einheit wirkt.
   
3. Verwenden Sie nur einen Oszillator für Ihren Bass. Wählen Sie eine Rechteckwelle, drehen Sie den Cutoff weit nach unten, erhöhen Sie die Resonanz und fügen Sie etwas Hüllkurvenaktivität hinzu. So erhältst du eine stabförmige und kraftvolle Bassline. Wenn Sie mehr als einen Oszillator verwenden, beginnen die Oszillatoren, sich in der Phase zu verschieben, und es kommt zu kleinen Phasenauslöschungen, bei denen das tiefe Ende verloren geht.
   
4. Beim Arrangement ist Variation der Schlüssel. Sobald Sie ein solides Fundament aus Schlagzeug, Akkorden, Bass, Gesang und verschiedenen Samples geschaffen haben, können Sie den Track ausbauen, indem Sie den Haupt-Loop mehrmals duplizieren, nach und nach Teile hinzufügen, Dinge weglassen und sie in unterschiedlicher Reihenfolge wieder einfügen. Das Geheimnis liegt in einem guten Tempo und darin, dass ein Sound nie zu repetitiv wird.
   

 

 

Schlussfolgerung

House-Musik hat sich über mehrere Jahrzehnte hinweg entwickelt, und es sieht nicht so aus, als würde ihre herausragende Rolle in der Tanzmusik in nächster Zeit schwinden. Wenn Sie Ihre DAW öffnen und beginnen, verschiedene Arten von House-Musik zu erforschen, sollten Sie sich diese Techniken merken. Wir hoffen, dass sie Ihnen die Grundlagen für das Erstellen von House-Musik für Anfänger und fortgeschrittene Produzenten vermitteln.

Was denkst du über House-Musik, ihre Geschichte und die besten Produktionstipps, um einen starken House-Track zu produzieren? 

343 Labs als Ableton Certified Training Center anerkannt

Ableton Spaces-Zusammenfassung

Ableton Spaces fand am 13. Juli in Brooklyn, NY, statt. Spaces war eine ganztägige Ableton-Konferenz mit einer Reihe von Präsentationen, Diskussionen und Performances rund um das Thema Ableton Live, aber nicht nur. Zu den Künstlern, die auf der Veranstaltung auftraten, gehörten Stud1nt, Nick Hook, Ebonie Smith, Ski Beatz und Half Waif. Die Konferenz fand in der Music Hall of Williamsburg statt, wo die Präsentationen auf der Bühne stattfanden, während die Workshops und Erfrischungen in der Lounge im Erdgeschoss serviert wurden. Der untere Bereich war mit Push-Controllern und einem modularen Synthesizer-Setup ausgestattet, das über ein neues Feature namens CV Tools mit Live synchronisiert wurde. Der Tag begann mit einer spannenden Podiumsdiskussion, an der Jesse Terry, Miterfinder von Push, Stud1nt und Ski Beatz teilnahmen. Jeder Künstler spielte einen Song, der mit demselben Sample erstellt und von Ableton zur Verfügung gestellt worden war. Anschließend erläuterten die Künstler ihre Arbeitsabläufe bei der Erstellung der einzelnen Stücke, die sich stark voneinander unterschieden. Der nächste Vortrag des Tages war eine höchst informative Präsentation über die neuesten Mixing- und Automationsfunktionen von Ableton 10.1 und viele der neuen Funktionen des Ableton Push Controllers. Nach einer Mittagspause begann der Nachmittag mit einer weiteren Diskussionsrunde, an der Nick Hook, Ebonie Smith, Stud1nt und Coleman Goughary von Ableton teilnahmen und in der es unter anderem darum ging, wie man in der Branche relevant bleibt und was man tun kann, wenn einem die Inspiration ausgeht. Zum Abschluss des Tages gab es eine Performance von The Half Waif, die eindrucksvoll demonstrierte, was Live in der Performance-Umgebung leisten kann. Im Laufe des Tages fanden zu verschiedenen Zeiten Meetups statt, die sich auf bestimmte Themen wie Softwareentwicklung und Bildung konzentrierten. Während des Treffens für Pädagogen hatten wir die Gelegenheit, uns mit allen möglichen Lehrern, Entwicklern und Musikern auszutauschen, die Ableton Live als pädagogisches Werkzeug für den Musikunterricht einsetzen. Wie erwartet war die Qualität der Veranstaltung genauso hoch wie die der anderen Events, die Ableton seit vielen Jahren durchführt, z. B. die jährliche Loop-Konferenz. Wir hoffen, dass es in naher Zukunft noch mehr Veranstaltungen dieser Art in New York City geben wird.

Digitale und analoge Synthesizer

Ein Synthesizer ist ein elektronisches Instrument, das mit Hilfe von elektrischen Signalen die natürlichen Klänge von Instrumenten nachahmt. Er funktioniert, indem er die Spannungswerte in einer Schaltung schnell ändert. Diese Spannungsänderungen (Oszillationen) wiederholen das gleiche Muster und werden als Wellenformen bezeichnet. Der Künstler formt die Klänge des Synthesizers, indem er die Struktur, Größe und Geschwindigkeit dieser Wellenformen steuert.

Analog vs. Digital
Ein analoger Synthesizer verwendet ausschließlich elektronische Schaltkreise, um den Klang zu erzeugen und zu bearbeiten. Der MiniMoog Model D, der Prophet Rev2 und der Yamaha CS-80 sind allesamt beliebte Analogsynthesizer.
Ein digitaler Synthesizer ist ein eigenständiger Computer, der das physikalische Schaltkreismodell eines analogen Synthesizers nachbildet. Beliebte digitale Synthesizer sind der OP-1, Pocket Operators und das Roland System1.

Viele Liebhaber analoger Synthesizer argumentieren gerne, dass ein digitaler Synthesizer niemals den Klang seines analogen Gegenstücks genau nachbilden kann. Allerdings gibt es Synthesizer, die eine Mischung aus analog und digital verwenden, indem sie analoge Schaltkreise nutzen und das Signal dann mit digitaler Technologie verarbeiten.

Egal, was Sie bevorzugen, analog oder digital, jeder Synthesizer hat seine Stärken und Schwächen. Für Synthesizer-Liebhaber sind die meisten klassischen Synthesizer leicht an ihren charakteristischen Sounds zu erkennen.